El arte de hoy en día

¿Arte denigrante?

artoday — Wed, 22 Apr 2009 20:34:04 +0000

La exposición Bodies The Exhibition, que estuvo en Madrid en septiembre de 2008, cerró sus puertas con mas de 220.000 visitantes registrados. En estos días la exposición visita Francia, y al parecer, no ha tenido muy buena aceptación.

“Bodies”, la exposición de cadáveres humanos diseccionados para mostar al público el funcionamiento y entresijos del cuerpo humano, “es indecente”. Así al menos lo cree la Justicia francesa que ha decretado la clausura de la exitosa muestra, vista ya por millones de personas en todo el mundo.

La decisión de la juez Louis-Marie Raingeard se basa en una nueva ley que regula el protocolo de actuación con los fallecidos y, en virtud de la misma se podría forzar a todos los museos franceses a retirar cadáveres o esqueletos de sus expositores. El cumplimiento a raja tabla de esta disposición también obligaría a los demás museos de Francia a quitar de exhibición las momias y cadáveres, algo totalmente absurdo.

Los responsables de llevar a la organización de Bodies a los tribunales son los grupos de derechos humanos franceses, alegando que la exposición podría estar mostrando víctimas de ejecuciones chinas. Por su parte, el juez no entró en polémica del origen de los cadáveres, sin embargo, sentenció que la muestra denigraba el cuerpo humano y decidió la clausura de la exposición.

Numerosas versiones de la exposición han recibido unos 30 millones de visitas en todo el mundo y el de París ha atraído a un flujo constante de visitantes. La exposición tenía previsto permanecer en París hasta el 10 de mayo antes de trasladarla a otro recinto justo fuera de la capital.

Bibliografía:

Los que marcan tendencias

artoday — Sun, 12 Apr 2009 16:26:15 +0000

Este post va a estar relacionado en gran medida con el que vimos la semana pasada que nos contaba la importancia que han cobrado hoy en día programas de diseño como el Photoshop. Esta tanta la innovación, que algunos se han atrevido a marcar tendencias y hoy sus estilos se intentan reproducir por millones de aficionados.

En especial hablaremos de tres es estilos que van estrechamente ligados a la fotografía: Dragan, Dave Hill y HDR.

Dragan

Debe su nombre al fotógrafo holandés Andrezej Dragan, nacido en 1978. Hoy en día trabaja para un innumerable cantidad de empresas ya que su estilo de líneas definidas y, sobre todo, de texturas contrastadas, enamoran al público. La idea es realzar cualquier cosa que pueda aportar relieves a la expresión del escenario en si, como podrían ser venas, ojos, etc. Veamos a continuación algunas de sus obras.

“Algunas personas dicen que los buenos retratos revelan alguna verdad oculta del modelo retratado. Con tristeza, debo confesar que ese tipo de personas no encontrarán nada interesante en mis fotografías, simplemente porque no tienen ese propósito.“

(Andrezej Dragan)

Dave Hill

Con este estilo también hacemos honor a otro fotógrafo del panorama actual, Dave Hill. Dave Hill es uno de los fotógrafos más populares del momento. por su irrealidad, su estilo justo a unos más que a otros. pero no cabe duda de que, a día de hoy, su técnica está en boca de muchos ficionados a la imagen digital. A continuación mostramos 4 de sus obras.

HDR

Al contrario que los dos efectos anteriores, éste no hace referencia a ninguna persona ni fotógrafo. El HDR o High Dynamic Range, es una tecnología de renderizado que imita el funcionamiento de la pupila en el ojo humano. El ojo humano se adapta de forma continua y con gran eficacia a las diferentes luminosidades de una misma escena abriendo o cerrando la pupila mientras se va integrando toda la información captada en el cerebro. De esta forma este órgano es capaz de hacer ver de forma clara una escena con zonas con diferente iluminación.Para comprendérlo mejor aquí os dejo una imagen lograda por artoday.

En internet podemos incontrar innumerables tutoriales que nos intentan acercar al efecto original, sin embargo, hablando de los dos primeros, ninguno de estos tutoriales consigue, ni por asomo, el efecto original de sus creadores.

Bibliografía:

La tecnología ayuda y mucho

artoday — Sun, 05 Apr 2009 10:01:30 +0000

Desde la llegada de la tecnología, han sido muchos las áreas que han evolucionado o cambiado totalmente. Dentro de estas áreas, se encuentra el mundo del arte, se han abierto puertas hacia otras visiones, por ejemplo, ya no se contempla únicamente como arte la pintura, la escultura y la arquitectuar, si no que nuevos formatos como vídeos o la fotografía, también pasan a formar parte del nuevo mundo artístico. De igual forma, la metodología a la hora de trabajar también ha cambiado, ahora la tecnología da pie a cambios muy importantes antes de dar por concluida la obra.

Una de las herramientas más utilizada por los artistas contemporáneos es Photoshop. Hoy en día, prácticamente ni una sola fotografía se libra de pasar por las manos de este programa informático. Con los años, van llegando nuevas actualizaciones para este software de Adobe que permiten, cada vez más, acercar al artista a lo que realmente busca. En estos momentos es la versión CS4 la que se encuentra en el mercado, y permite cosas tan increibles como trabajar con superposiciones de imágenes, luces y la novedad, con formas en tres dimensiones. Estos son algunos de los ejemplos que se pueden hacer con este programa. A la izquierda se encuentran las fotografías originales mientras que a la derecha podemos observar el trabajo final.

Para los aventureros, os dejamos un tutorial en el que podreis practicar un increible efecto para dar luz y líneas luminosas a cualquiera de vuestras imágenes. Sólo tenéis que hacer clicq en el siguiente link o encima de la fotografía.

Tutorial de luz

Os dejamos también algunas imágenes creadas con este mismo programa que resultan, como poco, interesantes.

Photoshop no sólo permite hacer retoques o mejorar imágenes ya existentes, sino que da la opción de crear un documento en blanco para comenzar una obra desde cero. Para esto no basta con tener conocimientos del funcionamiento del software, además es imprescindible tener capacidad para el dibujo. En los siguientes videos se muestra cómo realizar un dibujo totalmente realista utilizando Photoshop.

Bibliografía:

El arte de lo real

artoday — Sun, 29 Mar 2009 21:02:07 +0000

El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el Fotorrealismo que es menos radical.

El fotorrealismo es un género dentro de la pintura que se basa en hacer un cuadro a partir de una fotografía. Es un género cultivado sobre todo por pintores. Es un tipo de pintura que no puede existir sin la fotografía. Los fotorrealistas usan una cámara y la fotografía para reunir información y luego transfieren al lienzo esas imágenes. El pintor tiene habilidad técnica suficiente para hacer que el resultado final parezca fotográfico. Actualmente el fotorrealismo se ha extendido a niveles de diseño a partir de gráficos de ordenador siendo la aplicación artística de gráficos vectoriales bidimensionales Adobe Illustrator o aplicaciones de generación 3D las utilizadas para la generación fotorrealista.

En la actualidad son muchos los artistas que se atreven con este estilo de arte para representar sus obras, y no unicamente dentro del dibujo o de la pintura, la escultura también toma parte en este movimiento tan de moda. En Artoday vamos a ver a unos artistas que dominan perfectamente la técnica y algunos de ellos de formas muy peculiares. Entre las fotografías siguientes pueden apreciarse obras de pintores y escultores como Antonio López García, Audrey Flack, Ralph Going, etc.

Particularmente vamos a hablar del español Juan Francisco Casas, joven pintor hiperrealista que curiosamente realiza sus obras a golpe de boligrafo Bic. Una de las herramientas más utilizadas por toda persona a lo largo del día, ha resultado ser la misma que ha llevado a la fama a este artista. Sorprendentemente, al igual que en la galería anteriormente vista, estas obras no son fruto de ninguna camara fotográfica, sino de varias y duras horas de trabajo.

Por último recomiendo a todos los lectores del blog que no dejen de visitar este video en el que un joven americano demuestra sus habilidades de dibujo con un Telesketch, al contrario que el resto de la humanidad, que únicamente somos capaces de dibujar escaleritas con él, este chico hace dibujos que luego seguramente lamenta tener que agitar y borrar.

Bibliografía:

Cuerpos pintados

artoday — Sun, 22 Mar 2009 20:52:22 +0000

La pintura corporal o bodypainting es una pintura artística aplicada a la piel y es considerada como una de las primeras formas de expresión plástica utilizada por nuestros antepasados. Desde épocas remotas, los humanos pintaban sus cuerpos para dotarlos de una simbología significativa o simplemente para camuflarse.

La pintura corporal hoy tiene un objetivo sobre todo lúdico y decorativo. Su carácter espectacular la vuelve una actividad muy valorada. Además el hecho de que no existe ni el desnudo ni el vestido del modelo permite una exposición del cuerpo sin que eso llame al pudor. Los estilos más recurrentes recuerdan formas animales, además no sólo se pinta al modelo con colores vivos sino que se le acompaña con diferentes artilugios que refuercen “el disfraz”.

El Bodypainting es un arte visual donde el lienzo pasa a ser la piel. Se suele trabajar con un cuerpo desnudo, en topless o con bikini. Para el dibujo se utiliza pintuar especial de maquillaje o bodypainting de base de agua que permite una comoda eliminación.

Como recomendación desde Artoday, os invitamos a que visiteis la la exposición de Cuerpos Pintados, una página web donde conoceréis la historia de la idea y numerosas fotografías artísticas donde apreciar en todo su explendor el arte de los cuerpos pintados.

Bibliografía:

El nuevo arte del tatuador

artoday — Sat, 14 Mar 2009 08:59:10 +0000

Lo que hoy conocemos como “tatuaje”, algo que consideramos tan moderno e incluso, demasiado atrevido, tiene sus origenes en una época tan remota como la Egipcia, sin embargo, no ha sido hasta nuestros días, cuando el arte de tatuar se ha considerado como tal, arte.

El hacerse un tatuaje de una obra de arte ya conocida es algo que cada vez se está haciendo más popular, la verdad es que este tipo de réplicas llevan al límite las habilidades de los tatuadores desde el mismo momento del dibujo, hasta el de relleno, ya que la combinación de colores en la piel humana no tiene nada que ver a la que se experimenta en un simple lienzo o en una pared. Sin embargo, esta práctica de intentar perpetuar en la piel una obra ya constatada no es lo habitual, de igual forma, muchos de los diseños originales de estos tatuadores se pueden calificar como obras de arte sin ninguna duda.

El tatuaje es de los tipos de arte y de expresión de los más importantes, ya que su permanencia esta sujeta a nuestro cuerpo, pero eso es lo que lo hace especial. Además cobra significado dentro de un contexto especial, nuestro propio cuerpo, y dentro de un significado que puede que sólo el portador reconozca.

“Es el movimiento artístico más grande desde el Renacimiento. No ha habido nada semejante: un movimiento de arte en el que uno puede ir a un pueblo y encontrar 30 ó 40 establecimientos para tatuarse, todos llenos, todos ocupados”.

Baxter (reconocido tatuador)

Holanda sigue ofreciendo diferentes atractivos destinados al público liberal. Uno de estos lugares se encuentra en el famoso Barrio Rojo de Ámsterdam, se trata particular Amstedam Tattoo Museum, un sitio destinado a la cultura del tatuaje. Este museo tiene su origen en 1966 y fue fundado por el reconocido tatuador Hanky Pankyy exibe en una interesante muestra una gran colección de imágenes que permite admirar espectaculares creaciones artísticas de los mejores profesionales del rubro de todo el mundo.

Bibliografía:

MUSAC, arte a la vista de todos

artoday — Sun, 08 Mar 2009 22:42:33 +0000

El MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León ubicado en la ciudad de León, nace con el propósito de convertirse en Museo del Presente. Las actividades que en él se generen irán dirigidas a abarcar la creación más actual.

El museo se construye con el propósito de ser un lugar interrelacional donde el público deje de ser un mero elemento pasivo que contempla. Talleres, charlas, encuentros con los artistas, guías didácticas y obras en las que el espectador interactúa, son algunos de los elementos imprescindibles en la dinámica del MUSAC.

En este museo de la ciudad de León, ni siquiera es necesario entrar para contemplar algunas de las obras del arte contemporáneo del momento. Su propia arquitectura ya es una muestra de las líneas artísticas que cruzan nuestros días.

La arquitectura del MUSAC es ya uno de los proyectos con mayor reconocimiento internacional gracias a la concesión en 2007 del Premio Mies Van der Rohe de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea 2007, la participación en la exposición On-Site: New Architecture in Spain, que el MOMA de Nueva York dedicó en 2006 a los proyectos arquitectónicos recientes más destacados en España; o la representación española en la Bienal de Arquitectura de Venecia de 2004. Los arquitectos madrileños Emilio Tuñón y Luis Moreno Mansilla han proyectado la sede de este museo como una gran superficie para la cultura, un sistema expresivo a base de espacios continuos diversificados que trata de enfatizar el interés que comparten el arte y la arquitectura por la expresión contemporánea.

Ver Guía del MUSAC

Además de la inumerable colección de obras que va incrementándose prácticamente a diario, el MUSAC recoge entre sus muros una Biblioteca de Documentación, ciclos de cine e incluso programación musical.

Bibliografía:

MUSAC
Fotografía: www.musac.es

¡Hay vacas pastando en Madrid!

artoday — Sun, 01 Mar 2009 23:26:56 +0000

Cualquier persona que resida o haya visitado en los últimos meses la ciudad de Madrid se habrá, como poco sorprendido, al ver las vacas, ya famosas en todo el mundo, que componen la exposición de arte callejero conocida como Cow Parade.

Ver mapa de la situación de CowParade en Madrid (hacer click aquí)

CowParade es un evento internacional creado en 1998 en la ciudad de Zurich. Desde entonces, más de 50 ciudades se han adherido al proyecto. Ahora, la exposición recorre las calles de Madrid hasta el próximo 21 de Marzo, subrayando la importancia de hacer llegar a todos el derecho de acceso al arte.

Esta exposición ha visitado multitud de ciudades en todo el mundo, sin embargo, ha sido Madrid donde más daños ha sufrido debido al vandalismo. Las vacas fueron instaladas un viernes, y el sábado ya había varias con pintadas y algún daño sin mucha importancia, sin embargo, debido al incremento, ha sido necesario instalar un “Hospital de vacas” para repararlas. Albertina Pinturina, diseñada por Nuria F. Gamboa con caminos de colores, fue raptada con nocturnidad y alevosía por seis jóvenes que la desatornillaron de su base, la levantaron y subieron sus 400 kg ade peso a un quinto piso sin ascensor, por suerte, un vecino al que le parecio extraño decidió seguirles y avisó a la policía.

Se ve que no tenían para leche y nada mejor que llevarse a Albertina Pinturina para su casa, o a lo mejor para que les hiciera compañía, este es el día a día del mobiliario urbano, sufrir , por culpa de aquellos que no piensan nada mas que en hacer de las suyas, a lo mejor tiene razon Eduard Punset, con lo que el verdadero crecimiento se produce a los 24 o 25 años, cuando deja de crecer la corteza cerebral.

Urbanres

Otra vaca fue serrada, intencionadamente, cerca de la Puerta de Alcalá.

Una vaca perteneciente a la Cow Parade de Madrid ha resultado dañada en las calles de la capital. No es la primera vez que una de estas obras queda “herida” por la acción de los vándalos. Si no bastaba con “firmar” obras ajenas, robarlas, y causar daños sobre ellas, ahora directamente se destrozan. Esta vaca está situada en la zona de la Puerta de Alcalá y ha quedado en el estado que se puede ver en la imagen. Es lamentable que en esta sociedad existan personajes que disfruten haciendo daño sobre bienes ajenos y exposiciones culturales que son para el disfrute de todos.

http://www.cadenaser.com/ser-periodista/fotos/madrid-vacas-vandalismo-cow_parade-vacas/20090208csrsep_2/Ies

Bibliografía:

¿Es arte o no?

artoday — Sun, 22 Feb 2009 22:30:04 +0000

Al contrario que en etapas anteriores, donde el arte seguía una línea clara y el artista mantenía importantes puntos en común con el resto de compañeros, hoy en día la ingente cantidad de obras que surgen parece no tener un patrón común que permita clasificarlas. Muchas de estas obras resultan raras, incomprensibles e incluso ridículas para mucha gente, incluso se llega a pensar que cualquier persona con cualquier cosa puede crear “arte”. Respecto a este tema, incluyo el siguiente video donde Fernando Castro, un reconocido crítico español del arte contemporáneo, habla de la situación actual y de su relación con la política, el desconocimiento social y la labor de los críticos.

Como ya he expuesto antes, muchas personas opinan que gran parte del arte contemporáneo no debería considerarse como tal, y aunque sorprenda, muchas de estas personas son personajes reconocidos en diversos campos del conocimiento y por lo tanto, su opinión puede influir de manera notable en los lectores. Es el caso del artículo publicado en El País Semanal el domingo 8 de febrero de este año por el escritor Javier Marías llamado “La zona fantasma” (clic en el título para acceder al artículo en .pdf)

Como defensa del arte de hoy en día, he recogido estas frases que intentan dar una explicación a la negación que experimentamos hacia él. Por mi parte, argumentar que durante todas las epocas anteriores, el arte del momento no era considerado de manera especial, ha sido siglos después cuando se ha reconocido; incluso grandes pintores y escultores han muerto sin tener conocimiento de lo famosas y posteriormente cotizadas obras de arte habían creado.

“La conclusión fundamental confirma el hecho que trato de explicar desde el principio: la distancia y la incomprensión del arte contemporáneo por parte del público; la razón de esto es, como se ha podido ver, la mala educación, o mejor, la falta de educación que la gente recibe en las escuelas respecto al tema. Eso hace que la mayoría de la gente se refugie en el arte popular y se distancie cada vez más del arte que está en los libros y al que respeta, porque `sabe’ que está respaldado por la élite intelectual, pero que no comprende. El esquema sería este: las galerías y las leyes del mercado definen la evolución del arte que a su vez va a ser consagrado por los críticos de las revistas especializadas. Esas críticas se van estandardizando y así pasan a las historias de arte escolares como criterios de comprensión estética; en el mejor de los casos son aprendidos, pero casi nunca comprendidos por lo que el arte al que se refieren acaba por no decir nada al espectador medio.”

Bibliografía:

Feria de arte contemporáneo ARCO 2009.

artoday — Sun, 15 Feb 2009 22:21:06 +0000

“En 1987 IFEMA y ARCO crearon la Fundación ARCO, una organización sin ánimo de lucro que dedica su patrimonio a la promoción del arte contemporáneo. La Fundación ARCO inició una colección con obras adquiridas durante la feria, con el objetivo de contribuir al desarrollo y fomento del arte contemporáneo nacional e internacional y difundir sus fondos a través de programas teóricos y expositivos. Esta idea encierra además un doble objetivo mantenido a lo largo de los veintiún años de existencia de la Fundación: por un lado, servir de de ejemplo a otras instituciones a la hora de adquirir obras en ARCO; y por otro, incentivar el coleccionismo internacional de arte contemporáneo además de impulsar el mercado en torno a la feria.” (http://www.ifema.es/web/ferias/arco/es.html)

En esta vigesimo octava edición de ARCO, que comenzó el pasado 11 de febrero y que se prolongará hasta el día 16, han formado parte 250 galerías procedentes de 31 países que se atreven tanto con las vanguardias históricas como con los clásicos contemporáneos y el arte actual, en distintos medios, desde la pintura hasta la fotografía, las instalaciones, el vídeo o el new media. En esta edición, India ha sido el país invitado con la intención de difundir el arte aprovechando la bonanza económica que vive el país.

En esta feria, como ya se venía temiendo años anteriores, la fotografía ha logrado equipararse totalmente a la pintura dentro del arte contemporáneo. Los organizadores de ARCO hablan de la foto como de “uno de los segmentos más fuertes del mercado que resiste a la crisis con cifras menos alarmantes”, y citan cómo ya existen récords de subasta donde una fotografía ha superado el millón de euros.

Al parecer, la crisis también ha llegado al mundo del arte y este aspecto creaba bastante incertidumbre tanto a los directivos como a los espositores, sin embargo Lourdes Fernández, la directora de ARCO declaró: “ARCO tiene ya una madurez que no tenía cuando superó otras crisis, como en los noventa. Hoy el mercado es más sólido, más establecido. Las ventas no van a ser como en años anteriores, pero no irán mal. Sí lo harán más lentamente y con más cautela, pero bien. No se vende como antes, pero se está vendiendo”. “Este año hemos hecho un esfuerzo doble que el de otros años, para lograr los mismos resultados. Pero yo me siento optimista, aunque siempre teniendo claro que las cosas no van a ser como en años anteriores”

Personalmente, y como visitante de ARCO 2009, la obra que más me ha impresionado ha sido la de Isaac Montoya titulada “Fantasmas”, consta de una caja lumínica de grandes dimensiones con dos fotografías superpuestas que componen un cuadro, que al ser visionado con filtros de color rojo o azul muestra fotografías con las que el artista pretende denunciar situaciones del tercer mundo.

Otras obras que me parecieron, como poco, originales:

Bibliografía: